1.影響
風格的養成的出發點應當是去了解藝術的本質。 我們經常聽到這樣的格言——“陽光下，沒有什么是新的。” 在理論上講，這是事實。 基本上所有的創新都有部分是在老調重彈。盡管我們可能不是絕對的原創，但我們也不該吊死在“絕對原創”這棵樹上。 任何一個單一的創意都可能被別人實踐過，但是一件作品永遠不可能至來源于一個想法。至少，我們認真在思考我們所做的事，而非公然地復制他人的作品。 每個個體一生都在受各種多元化的影響，將這些影響雜糅在一起形成自己的東西才是正解。原創的觀點來源于我們的生活經驗和內心深處，這一切的總和形成了就像電話號碼一般獨一無二的我們。
我經常受很多東西的啟發，除了攝影以外還有兒童文學、電影、夢想和精神學等。
第一步，你需要開誠布公地告訴人們（至少對自己）是什么激發了你的靈感。 練習一下列出10件事情——不管是其他攝影師、藝術家、電影、音樂、文學或者其他東西也好。 針對每一項，說出什么是你喜歡的。 同時也注意指出你不喜歡的地方。 沒有人會完全喜歡一個人的作品。 你有你的最愛，個中肯定有你的理由。（做這樣一個任務：回顧那些你在圖片分享網站上標記為最愛的攝影作品） 靈感和你之間的關系是獨特的——因為你有所選擇，突出其中的某一項而減淡了其他方面。 就像購物一樣，有那么多的選擇，最終你拿著你選好的靈感裝進購物包回家了。 一旦你意識到激發你靈感的東西是什么，你就搞清楚了這桌美食的調味秘方，接著你就可以用它來烹飪出屬于你自己獨特菜肴了。
2.比較
我第一次真正開始察覺到自己的“風格”是當我看到我的作品和其他作品一起發表在一本攝影合集中的時候。 書中其他人的作品都是清一色的女性自拍作品。 接著我看到了我的作品，使用了大膽的直線和曲線以及鮮明的主色調。 不需要任何語言，看過了其他人的作品你就很自然很容易地能夠辨別出我的作品來。
我強烈建議你參加一些能夠將你的作品和別人的放在一起比較的活動。 另一個很有趣的活動是和其他的藝術家一起合作和工作。 當你和另一個攝影師一起親密合作開始拍攝項目時，肯定會一種奇特的不尋常的感受。 你們拍攝時的細微差別都在定義著你的特質、你做事的方式，最后看到作品時，你能夠自信地說：“沒錯，這就是我。”
3.詢問觀者
不論你是什么類型的攝影師，你都需要了解你的觀眾，即使你是一位主要拍攝個人作品的純藝術攝影師。 不僅僅是商業攝影師需要考慮作品的銷售力。 藝術攝影師也需要取悅于畫廊、經銷商和收藏家。
細心察覺觀眾對你作品的反應， 不論你的作品是在藝術館展出或在網上供網友瀏覽還是展示給你的朋友，你都應當認真觀察。 但是，不要會錯我的意思，理智對待這些評價，但不要太往心里去，我也曾經因為網上和當面的一些負面評價而灰心喪氣過。 這里我主要想傳達的是，群體意識其實很簡單，但他們覺得你擁有自己的風格時，他們就會開始鼓掌，這些喝彩將幫助你形成自己的風格。 說實話把自己的作品上傳到網絡上，公開的接受所有人的評價并不是一件容易的事情，你需要知道有人會喜歡人當然也有有人會攻擊你。在我一開始拍攝的日子里，很多人都在我的網絡相冊里留言，認為我只是在單純地模仿其他攝影師的作品，說實話這很傷人。但請注意，當你接受到負面的評價時，請不要讓它影響你的心情或是創作勇氣。坦然去面對它們，然后思考你是否存在這樣的問題，如果有那么請去解決它們。
擁有自己的攝影風格對于推銷自己是一件非常重要的事情。 如果你在看這篇文章說明你對尋找自己的風格定位很感興趣，或許你也希望自己可以以攝影為生。 這就意味著你需要讓觀者們在一眼看到你的作品時就能認出來是你拍攝的。 就像雖然我討厭俗氣的新聞角度、套話以及重復那些我已經做了無數次的事情一樣，但是我依舊得承認這些事情的重復累積成為了一個平臺，而正是因為這個平臺，我才可以繼續做其他不一樣的事情。
4.你才是最重要的
只關心你的觀眾并不能讓你成為一名優秀的攝影師，至少不是一名忠于藝術的攝影師。 可能你能夠在短時間內獲利，但你可能不能忠實于自我，并且不會很開心。 畢竟，我們中的大多數人選擇攝影是源于那份熱愛。 我們應當堅持自己的想法和激情，不論這些想法流行與否，否則這一切又有什么意義呢？ 不論是專業攝影師抑或攝影愛好者都應當忠實于自我的感受。
雖然聽從別人的意見有時能給你一些啟發，但你應該記住，你是你自己的老板你說了算。 無論環繞在你周圍的是多么親密的人，他們的話永遠只能是建議或意見。 你應該相信你自己的本能，即使在猶豫的時候，我從別人那兒學到過一件事——藝術家從不犯錯。錯誤這個詞對藝術家而言并不存在。你做的一切都是某種表達，沒有對錯之別。
回到最主要的問題：你想要什么？ 我學到的另一個教訓告訴我——拍攝你真正感興趣和熱愛的東西。其他人沒法回答你是否應該拍攝ABC或XYZ的問題，只有你自己才能決定。
5.自我評估
審視你的所有作品，將它們像縮略圖一樣排列在屏幕上。 我開始使用Flickr的一大原因就在于我喜歡看著我的系列作品們變成一個個方格擺在頁面上，像一幅拼接掛毯。 當我閑下來的時候，當我覺得失去個人風格的時候，我都會重新審視我過去的作品頁面，這樣我可以很直觀地觀察到我在使用色彩、光線、構圖方面的特點和發展趨勢。
認真觀察你過去的作品，仔細思考你想要表達的東西。 我曾經寫過一篇博客文章，鼓勵其他藝術家珍惜她們早期的照片，不要為老作品而尷尬。 可能那些過去的作品在技巧上有所缺乏，但卻飽含著最初的熱忱。審視（欣賞）你以前的作品，你可能會重新發現一些線索，什么激發了你的生活熱情，什么是你愿意用相機去記錄的。 或者，你會有這樣的感想，我早該升級我的裝備了或是我應該盡早好好學習后期處理。誰知道呢？
6.謹慎對待專業建議
我并不是突發奇想要在這里和大家討論“風格”這件事兒的。
我第一次思考這個問題是在一個畫廊里，當時正在舉行一場隨性的觀片會，一位攝影前輩指出我的作品中混雜了好幾個攝影師的風格。 他建議我應該專注于一種風格，比如說我很善于利用色彩，那么就應該偏重彩色攝影，而將黑白攝影的重任丟給那些“老家伙們”。 我知道我向他展示了太多多樣化的作品，所以當時我認為我不知道挑選什么樣的作品匯集成作品集是我的主要問題。 然而，當我重新審視我的所有作品時，我突然發現他關于我混雜多種風格的說法是千真萬確的。 我終于明白了為什么畫廊經理們都希望從一個藝術家的作品中看到可識別的元素，因為只有這樣這些作品才會更加具有銷路和收藏價值。
起初，我很沮喪，我覺得我的藝術生涯算是毀了。因為我的多樣性太過明顯——即使是在同一個系列里，你也能明顯看出這些作品的不同風格。 但現在，我開始質疑這整個建議，并開始思考我是否有必要為了別人的一番話而顛覆自己的根深蒂固的作品特色。 畢竟，每個人都會有自己的觀點，就我喜歡用自己當模特進行創作這一點就有不少人有不同觀點。 有一位評論家喜歡我拍攝時采用的角度，而另一位則認為我過于喜歡拍攝正面照，應當多多嘗試其他角度。 還有時一位評論家告訴你應當堅持一種風格，而另一位則告訴你你應該多多嘗試其他風格。 不同意見經常相互矛盾，最終只有你能解答自己的問題。 經常做一些實驗性創作和嘗試新鮮事物是好的，但同時也注意多去拍攝一些可以積累為個人風格的攝影作品。
7.繼續拍攝
繼續拍攝，讓自己和作品都變得成熟。 給自己時間來提升作品的水平，不要將“風格”固定化。 拍攝你想拍的攝影作品，每隔一段時間查看一下它受到了什么樣的評價，這樣你就可以了解自己的銷路并從中獲利。 利益這些詞語可能對藝術家來說是很酸臭的字眼，但你要明白早在你選擇視覺藝術這個領域時，你就應該了解利益也是藝術產業鏈上的重要一環。 如果攝影師都將從相機里卸下的記憶卡直接交給客戶或者畫廊，攝影會是什么樣子？ 如果沒有選片、編輯、命名、刊登，攝影肯定不是現在這個樣子。 選擇如何描述你的作品進入市場——也就是分享給大家，是攝影產業鏈中至關重要的一項。為自己的作品撰寫個人陳述，挑選系列作品出版或者展覽， 為你的目標設立一個里程碑，因為當你的照片進入一本書或者一場展覽時，你的作品也就成為了藝術的另一種形式。
當我越來越多思考關于風格的問題時，風格對我的意義就越來越少。 有沒有人真正了解自己的風格呢？ 我不知道。 回到文章的第一條： 如果沒有人是真正的原創，那么我們就不能用某個人來定義某種“風格”，也就是說： 他們的名字不能成為一個形容詞;我們只能說他們具有什么風格。
隨著時間的推移，你可能會和某種技術或美學有所關聯，但我認為這是一種誤導去聲稱自己擁有它們。 我曾經應客戶要求拍攝過使用多重曝光伎倆的商業作品，但這種技術并不是我的特色，只是在當時那種特定的時間和空間上，客戶和我溝通之后達成的風格的一部分。
在任何攝影領域中取得成功的關鍵是深刻的了解。 攝影師因為他們的聲譽、技能從而獲得拍攝工作，因為客戶知道他們、相信他們、信任他們、喜歡他們所拍攝的作品。 如果你仔細現象，“風格”的概念并沒有太多的實質內容。 我們唯一的風格藍圖存在于我們的方法、所受的影響以及我們持久不間斷地去融合我們周圍的事物。 不管風格的定義是什么，都請記住，沒有什么比保持主動和興奮的創作狀態，以及好好經營自己的聲譽更重要的事情了。
